Arte Y Moda, entre el amor y el odio.

Silvie Fleury, Shop Bags

Polémica, inevitable, profana, controversial, el Arte y la Moda sostienen una tormentosa relación. Durante el último siglo, la atracción entre ambas disciplinas se ha visto reflejada en el trabajo tanto de modistos y diseñadores como de artistas, que han traspasado las fronteras definidas entre estas dos ramas, estableciendo procesos de retroalimentación, crítica y mutua observación. Factores como la expansión de los medios masivos, la globalización, la entrada de la mujer en el mundo laboral y artístico, los cambios en las estructuras de poder han sido determinantes en el desarrollo de la cultura occidental contemporánea y por supuesto en la relación entre Arte y Moda.

Graham Dolphin

Desde la primera mitad del siglo XX algunos artistas, como Sonia Delaunay introducen en su producción lenguajes y elementos propios de las artes aplicadas, y comienzan a trabajar en conjunto con diseñadores, llevando conceptos artísticos al ámbito de la Moda y el Diseño.

Los dadaístas utilizan las imágenes de revistas de moda y periódicos en el collage como primera herramienta de crítica social. Sin embargo, es hasta mediados del siglo XX, cuando el Pop Art le abre paso a la estética de la cultura de masas hacia los -hasta ese momento- sagrados templos de la alta cultura -Museos, Galerías, etc.- Es Andy Warhol quién mezcla y explota sin pudor los mecanismos de la cultura de consumo y los utiliza como estrategia fundamental de su producción artística, convirtiéndose así mismo en la primera estrella pop del mundo del arte, la moda está ahí como símbolo de poder y status, la obra de Warhol es la exaltación del estilo de vida capitalista.

Pero semejante matrimonio entre Arte-Moda no ha sido visto con buenos ojos, por lo menos en lo que concierne al mundo artístico, pues la Moda se rige por parámetros mercantilistas dirigidos al consumo, pretende acercarse al arte, seducirlo, alcanzar el Status de este y convertirse en él. Por su parte el Arte en su posición de practica discursiva, se mueve entre la fascinación/repulsión que le produce toda la maquinaria productora de deseos: consumo-medios-moda y juega desde la ironía y la crítica.

Marc Quinn, Study For beauty

En los 80´s la moda logra incursionar oficialmente en el mundo del arte a través de la publicación en la portada de la Revista ART FORUM de Febrero de 1982, de una modelo vistiendo un diseño de Issey Miyake, esta concesión a la moda por parte de una revista identificada durante los 70´s con el Arte Conceptual, causa un gran revuelo en los sectores artísticos más radicales. Un año más tarde Yves Saint Laurent presenta su retrospectiva (La primera para un diseñador de moda vivo) en el Metropolitan Museum de Nueva York, que marca la pauta para la entrada oficial de los diseñadores en los grandes centros del arte, como lo confirma la muestra de Armani en el Guggenheim Museum en Nueva York en 1999. Los críticos alegan la perdida de independencia de las instituciones artísticas más importantes, ya que ante la bancarrota, Museos como el Guggenheim se han convertido en grandes marcas bajo el subsidio, y la promoción de eventos no sólo de moda sino de mercadeo en general.

Rapture, catálogo

Este concubinato entre Arte y Moda es finalmente legitimado en el 2002 con la muestra “Rapture” en el Barbican Centre de Londres, curada por Chris Townsend, “Rapture” pretende explorar y celebrar la seducción del arte por la moda, mostrar que pasa cuando estos dos fascinantes mundos colapsan. En una multitud de medios, la exhibición revela la tempestuosa relación entre arte y moda durante los últimos treinta años, incluyendo el trabajo de artistas británicos y estadounidenses como Victor Burgin y Tracey Emin. Una de las obras más recordadas, es la gran escultura en hielo de Kate Moss, realizada por el artista Marc Quinn, que se derrite lentamente gota a gota. “Rapture” es presentada en simultánea en el Barbican con una exhibición de David La Chapelle quien es considerado uno de aquellos transgresores del mundo de la moda pues su trabajo maneja magistralmente ambos lenguajes, con atinado sarcasmo y eléctrica visión, LaChapelle logra explotar la imagen fetichista de los iconos de la cultura pop, cómo olvidar la foto de David Beckham en una postura homo erótica lamiendo una gota de sudor de su hombro.

David LaChapelle, David Beckham.

Legitima o no, La relación entre Arte y Moda es cada vez más estrecha, día a día son más los artistas que trabajan con el tema, pues la moda se ha convertido en el último productor de mitos y fantasías contemporáneas, el escape consumista. Entre los casos más conocidos se encuentran las instalaciones “vivas” de Vanessa Beecroft, las bolsas de compras de Silvie Fleury, las instalaciones de la española Ana Laura Aláez, Las intervenciones en portadas de revistas como Vogue de Graham Dolphin, entre tantos otros. Cabe mencionar las colaboraciones de reconocidos artistas con marcas, como es el caso de las joyas realizadas por el controvertido Santiago Sierra para Chus Bures, con la inscripción “DIAMONDTRAFFICKILLS”.

Santiago Sierra, DiamondTrafficKills

La diferencia: La moda se vale del arte y en algunos casos llega a él. El arte revisa la realidad y sus fantasías, la proyección de los deseos, cuestiona y crítica posturas y comportamientos. El debate sigue abierto.

Cristina Ochoa.

Entrevista con Lore Ezpeleta

“Abro una revista de Moda:1 me encuentro con dos vestidos distintos. El primero es el que me presentan fotografiado o dibujado, es un vestido imagen. El segundo es ese mismo vestido, pero esta vez descrito, transformado en lenguaje; ese vestido fotografiado de la derecha se convierte a la izquierda en: cinturón de piel por encima del talle, con una rosa prendida, sobre un fluido vestido de shetland; es un vestido escrito. En principio ambos remiten a la misma realidad (ese vestido que la mujer llevaba ese día), pero en cambio no tienen la misma estructura 2, porque no están hechos con los mismos materiales y, por lo tanto, esos materiales no mantienen las mismas relaciones entre sí: en uno los materiales son formas, líneas, superficies, colores y su relación es espacial, mientras que en el otro son palabras y la relación, si no lógica, es cuando menos sintáctica; la primera estructura es plástica, la segunda verbal...”.

Roland Barthes.

El sistema de la moda

La artista Lore Ezpeleta habla sobre la serie Vogueristas, Trabajo que estará exhibido a partir del 5 de Junio en Lado B Arte consultores.

-Cristina Ochoa: De que se trata Vogueristas.

-Lore Ezpeleta: Es una serie de dibujos, en los cuales he estado trabajando este año que tienen que ver mucho con la moda, son 15 dibujos en Acuarela que saco de las editoriales de moda de las revistas más famosas que se dedican a la moda, como Vogue, Elle, Glamour, GQ ,etc.

-C.O: ¿Cuál es su interés por la Moda?

-L.E: Creo que la moda ha sido definitivamente una influencia en todo mi trabajo, lo relaciono muchísimo con el deseo. La moda es algo que toma decisiones por ti, así uno no se de cuenta, te envuelve en un mundo de consumo y te vende un estilo de vida, que desde mi perspectiva está más cerca a un mundo de fantasía que los propios cuentos de hadas, mejor dicho es el cuento de hadas contemporáneo.

-C.O: ¿Usted habla del deseo desde la perspectiva de lo inalcanzable?

-L.E: Si y no, por una parte evidentemente es inalcanzable, las marcas o los diseñadores que jamás llegaran a nuestras manos a no ser por la revista, pero por otro lado siempre nos queda la copia, la modista fiel a la cual se puede recurrir para copiar el ultimo modelito de interés

-C.O: Sus dibujos no funcionan como una copia propiamente dicha, ¿estarían más cerca de la apropiación y la reinterpretación?

-L.E: Claro, no me interesa hacer una fotografía de ese deseo, prefiero apropiarme con mis medios, de esa manera los hago realmente míos. Por eso las editoriales son escogidas según mis propios gustos personales

-C.O: Se asemejan a las ilustraciones de los cuentos infantiles, incluso al comic, ¿verdad?

-L.E: Hay algo de eso, el comic es una constante de mis referentes, incluso un “hobbie” personal, que de alguna manera es una influencia de mi propia forma de dibujar, para muchos mi trazo y mi dibujo pueden ser un poco naif, yo solo lo veo como mi propio trazo , nunca me ha interesado una excelencia anatómica o algo así , me interesa mi propio desarrollo con la técnica, descifrar mi propia línea.

-C.O: Dentro del vasto lenguaje de la moda, escoges las imágenes de modelos de cuerpo completo, y la descripción que va en el editorial, no escoges una falda, o un accesorio aislado, sino un personaje…

-L.E: Si, escojo al personaje completo porque toda la modelo, la ropa que usa, los accesorios , el peinado, el maquillaje y hasta su postura me está vendiendo un estilo de vida y porque no, también una forma de ser

-C.O: ¿Esta serie de personajes funcionarían como alter egos?

-L.E: Más sumisa, más triunfadora, más seductora, más joven

-C.O: Ya que el hecho de desear llegar a ser algo, plantea el problema de la identidad pero a partir de lo imposible.

-L.E: No lo había pensado desde ese punto de vista, pero si puede ser.

-C.O: Pero existe una crítica dentro de su propuesta. A partir del hecho de no poder tener, desde el tercer mundo....

-L.E: Claro, es la identidad nuestro gran dilema, como mujeres, como tercermundistas , como ecologistas y como personas que queremos ser cool y es que todo eso que nos ofrece la revista, no tiene que ver con la realidad que vivimos, yo lo más cercano que tengo a ese mundo es a Martica que es mi modista y es buenísima y claro la Vogue, pero eso es completamente virtual, puede ser la página, pero nunca el Balenciaga que lleva la modelo de la editorial. Lo que quiero decir, es que es más fácil coleccionar las Vogue que alguna vez tener una Balenciaga,

-C.O: Como cree que desde "el tercer mundo” se percibe esa fábrica de ilusiones?

-L.E: Pienso que aquí en Colombia todavía no tenemos ni idea de que se trata el mundo de la moda, como lo digo en el texto pienso que además de tener totalmente subestimado el tema y son pocos los intentos de algunos de abrir las puertas a la moda, aquí ni siquiera se considera como cultura, aquí cultura es Shakira y si no me cree pregúntele a le sección cultural del tiempo.

-C.O: Claro es una "frivolidad". Cuál es la relación y la diferencia para usted entre arte y moda?

-L.E: La línea es delgada pero profunda. La moda es un emporio que tiene que ver con el consumo, con la industria, con el marketing y que su producto puede o no ser cercano a una necesidad artística, el arte está ligado, con el pensamiento, con la individualidad, con la humanidad a la vez, tantas otras cosas que tocaría hacer otra entrevista para definirlo.

-C.O: bueno en otra oportunidad será...

Vogueristas, De Lore Ezpeleta

Desde el 5 de junio en el Lado B

Desde el Tercer Mundo es difícil ser un seguidor del inmenso universo de la moda, que involucra desde el reino de los modistos bronceados, como Valentino o Donatella Versace, hasta el más pequeño de los accesorios, como el último llavero creado por Louis Vuitton. Esta posición, de vivir en un lugar donde la moda ni siquiera es cultura, nos deja recluidos en la más frívola de las tierras que nos confronta con el pequeño residuo de naturaleza social.

Pero la moda canta canciones de amor y mientras el laboratorio de estilos de vida inalcanzables, desarrolla su maquinaria consumista y falsificadora, nosotros envidiamos desde el abismo de la frontera de la portada a Kate Moss, a sus modelitos, a su exageraciones, a su billetera y a sus pómulos perfectos, que desde la revista nos hace un guiño a un mundo de fantasía.

Lore Ezpeleta

Lado b

Arte Consultores inaugura Arte consultores lado B, proyecto que surge a partir de la iniciativa del invitado virtual, que usaba como plataforma la página web de la galería para mostrar la obra de artistas jóvenes.

El lado B de Arte Consultores se presenta como un espacio alternativo de exposición y experimentación para artistas emergentes contemporáneos, con propuestas caracterizadas por la expansión de los soportes, la diversidad y complejidad en los conceptos, el compromiso con el proceso y la calidad del trabajo.

Las exhibiciones se plantean tanto a nivel físico como virtual, para lo cual se dispone del primer piso de la galería que funciona como depósito permanente, se sigue utilizando la página web y un blog, en ambos se tiene acceso a las imágenes de la muestra y a la entrevista al artista de turno.

Así mismo “Arte consultores lado B” abre una convocatoria permanente a los artistas que estén interesados en participar, invitándolos a enviar su trabajo o propuestas de exhibición -Ver convocatoria-

Alexandra McCormick es la primera artista invitada a exponer en lado B con la muestra Patrimonio intangible.

Patrimonio Intangible

El Patrimonio intangible al que se refiere Alexandra McCormick está constituido y legitimado por anécdotas, historias, documentos y experiencias que delatan aquello que no debería estar ahí, lo que debe ocultarse o controlarse según el orden instituido, pero que inevitablemente hace parte de la vida cotidiana, del ciclo orgánico de lo natural.

El trabajo como guía en la colección de arte del Banco de la República, ha sido para Alexandra la coartada y la circunstancia propicia para desarrollar su investigación. Las largas horas en el museo, le han permitido observar y documentar otro aspecto de la colección: inconvenientes bichos habitantes permanentes del espacio, visitantes no deseados, polillas enemigas implacables, como aquella que se alimentó durante días de un lienzo de Botero, o la mosca que murió entre las espinas de Juan Fernando Herrán; la naturaleza siguiendo su curso dentro de un espacio dedicado a exhibir y conservar. Pronto decidió legitimar este patrimonio; tomándose el atrevimiento de hacer un sello, una guía de estudio similar a las que utiliza el banco como material didáctico, y realizar la visita guiada del Patrimonio intangible, si señores, estos lepidópteros ¡por fin eran tenidos en cuenta!

La artista se vale de toda una serie de estratagemas para hacer sus señalamientos: dibujos, fotografías, anécdotas, material didáctico, visita guiada. Documentos ficticios que sitúan su propio trabajo dentro del mismo cuestionamiento al que somete al arte dentro del sistema del museo, esta vez sacándolo al contexto de Arte Consultores Lado B.

-¿Que relevancia tiene señalar los animales y bichos que habitan las colecciones?

- Alexandra McCormick: Esos bichos hacen parte del patrimonio intangible, que está compuesto de historias de lo que pasa en el museo: el tropiezo de un transeúnte desprevenido, ese espacio vacío entre el espectador y la obra.

-Usted habla de un orden natural…

- AMc: El museo pasó de ser un espacio frio y controlado a ser parte de mi cotidiano, eso lo volvió más orgánico, empecé a notar la naturaleza interviniendo dentro del espacio, la lucha entre esta y el mantenimiento, le da vida al lugar.

- Una lucha entre un orden natural y uno sistemático?

- AMc: El espacio cambia a partir de los recorridos y la necesidad de controlar, manteniendo el límite, la polilla, el musgo, las palomas, todo lo orgánico que es inmediato debe ser detenido, la rapidez del suceso irrumpe en el espacio, que hay que vigilar. Es cuestión de retomar esos desechos, las historias lo que está ahí, pero no se quiere hacer visible.

-No es inevitable que se perturbe ese orden?

- AMc: Si, es el ciclo normal, igual estaba yo dentro del espacio jugándole al sistema, estando yo de guía proponiendo recorridos guiados.

- ¿Ese juego al sistema delata una farsa?

- AMc: Claro, uno ve la misma guía, pero lo que uno está señalando desplaza la mirada de la obra hacia lo cotidiano del lugar.

-La gente no se cuestionaba la legitimidad de este recorrido?

- AMc: No, pues entraba dentro de lo que es avalado por la institución.

-Que recursos utilizó para esta experiencia?

-AMc: En el recorrido guiado repartía botones míos que decían: Usted está aquí, Las mismas guías que utiliza el banco, la imagen del banco en el sello “La Marianne” símbolo de la libertad, en la que me sobrepuse a mí misma. Utilizo las mismas estrategias de la institución para señalar, entender cómo funciona un espacio, usarlo, cuestionarlo y volverlo visible.

-Qué relación tienen los dibujos con la experiencia del museo?

-AMc: Los dibujos plantean un oficio femenino, tejer, que se va transmitiendo de generación en generación, esa reiteración del gesto que ocurre en las carpetas de croché, ocurre en el recorrido, y en la colección, al mantener. Lo que pasa es que el gesto mío es diferente, yo dibujo con esfero, rayo, ese gesto de tejer se transforma en otra cosa, una estructura que se va deshaciendo, como carcomida, y va apareciendo el vacío al reiterar la forma, el vacio empieza a dibujar las cosas.

Cristina Ochoa.